画坛其实和武林差不多，有着各种各样的流派。这其中，印象派一直都是焦点人物，从来都不缺少关注。哪怕是对西方艺术稍有了解的人，提到莫奈、塞尚、梵高也都不会陌生。
不过印象派的发展，也有一个循序渐进的过程，其中又包含了很多细分的流派，今天就顺着印象派的发展，来和大家一起聊一聊。
莫奈《日出·印象》
大家知道，印象派这个名字，是因为莫奈的一副名叫《日出·印象》的参展作品而得名。当时的评论家出于讥讽，将这批作品称为印象派绘画。正因如此，很多人进入一个误区，认为印象派就是“凭主观想象”作画，故意画得模模糊糊，就是要让人看不懂……
这其实是被“印象”二字误导了。实际上，印象派都是踏踏实实、一丝不苟的写实画家，是画家中的科学家，甚至带着点书呆子般的迂腐。这个说法似乎又与我们的“主观印象”不太符，不急，且听我慢慢道来。
达芬奇《蒙娜丽莎》
任何画派的出现都是有原因的，咱们还得往前说一说。自文艺复兴以来，西方画家们都习惯了在室内作画。而室内一般没有强烈的阳光，只有柔和的室内光。
因此长期以来，西方油画的色彩不是那么明显丰富，大多以褐色为主调，显得特别古雅。比如上面这幅《蒙娜丽莎》，就是典型的室内光、褐调子，甚至背后的外景也都是阴天。
希涅克的点彩画法
到了十九世纪中叶，西方画家对这种流行了几百年的“褐调子”已经厌烦了，想方设法寻求突破。那时正好是欧洲自然科学全面发展的黄金年代， 科学至上的思想已经深入人心。任何事物即使是以往纯人文的领域，也要拿科学来审视一番，绘画也不例外。
寻求突破的画家们，纷纷将目光投向最新的光学和生物学成果。当时的科学研究告诉人们，光是一种波，阳光可以分解成红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫七种光波。
莫奈《撑伞的女人》
而物体之所以呈现不同的颜色和亮度，是因为它具有吸收和反射光线的能力。人眼之所以能感受光线、辨别色彩，是因为人眼中有三种感受色彩的细胞。
人有时会被自己的眼睛“欺骗”，是因为眼睛也会产生错觉，比如说画家、物理学家马赫发现的“侧抑制效应”。
“侧抑制效应”，通俗的解释就是“亮区周边显得较暗，暗区周边显得更亮”，这是人眼的一种错觉。上图是一个简单的例子，两侧中心的色块其实是同色，但人眼会感觉黑色包围的色块更亮，白色包围的色块更暗。
有了这些科学理论作基础，一批画家走出了画室，开始直接描绘阳光下的物象，并且拒绝到画室中做后期处理。这也就是印象派的“外光画法”。
莫奈《夏末早晨的干草堆》
举个栗子，一垛麦草，原本是秸秆的颜色，很单调，这叫做“固有色”。但实际上，在光线强烈的室外，环境中的各种色彩都在互相影响。比如地面的反光，使干草堆底部呈现红色，而草垛上部的背光面又会反射天光，呈现蓝紫色。
这种外部环境造成的色彩，就叫“环境色”。有了环境色，一个画面立刻变得丰富立体起来。这种外光效果在过去的古典画法“褐调子”中，基本不存在。
莫奈《吉维尼杨树林》
再比如，一棵大树，如果我们不仔细分析，只觉得无非是一棵绿树，但如果有了这个理论，立刻就能看出环境色。比如底部反射土地的黄光，顶部反射蓝紫色的天光。于是每一片树叶都是不同的色彩，简直比礼花更绚烂。
除此之外，“补色法”也是印象派绘画的技法之一。前面提到“侧抑制效应”，人眼会对明暗对比产生错觉。类似的道理，人眼对色彩也会有这样的错觉。比如一小块白色，放在大片红色背景下，这块白色就显得发青发绿。因为青绿色跟红色正好是对立色，互为补充，彼此突出。
色盘中位置对立的颜色即为补色。其实还有一种方法很有意思，你盯住一块颜色 20 秒，然后闭上眼睛回忆刚才色块的位置和形状，眼前出现的颜色即为补色。呃.... ... 我眼已瞎，你们继续……
在印象派绘画中，为了抓住这种转瞬即逝的人眼错觉，往往有意地对某些部位进行着色，比如下面这幅。
雷诺阿《煎饼磨坊的舞会》
这幅《煎饼磨坊的舞会》是印象派的代表作之一，作者在画中就是运用了印象派的“补色技法”。在这幅画里，你能明显地看出阳光透过树叶的斑驳效果。如果你再仔细看，会发现原本砖石颜色的地面，竟然是变成了紫色。
这乍一看似乎违背常理，但仔细回忆一下，在阳光强烈的午后，我们眼中的树荫似乎真的略带紫色呢。这是因为黄色和紫色是一对互补色，树荫在阳光的强烈对比下，就会显得发紫。
修拉《大碗岛的星期日下午》
印象派再往后发展，又出现了新的特征，这一派人物被成为“新印象派”，也叫“点彩派”，代表人物有修拉、西涅克等人。不多说，先看上面这幅图，大家感受一下。
点彩派实际上是对科学的更深层诠释。当时的科学已经发现，人眼之所以能看到万紫千红的色彩，是因为人眼中有“红绿蓝”三种视觉细胞。换言之，任何一种景象色彩，都可以用许许多多的单色光点组合而成。这个原理跟你手里的手机屏幕原理是一样的。
希涅克《阿维农教皇宫》
沿着这个思路，当时的画家就创造了“点彩”的画法。不管什么景象，无论是一朵云，一棵树，一个浪花，还是一根芦苇，在点彩画家的笔下，都被分解成一个一个的色点，最终由观众自己的眼睛，去天然地和“合成”出图像原本的样子。
然而，不要以为点彩油画是“乱点一气”，事实上点彩派的着笔是非常讲究的，可以说是一丝不苟，甚至到了“执拗”的程度。当然，画家作画是无微不至，但是观众欣赏的时候，可千万不能靠太近，否则什么都不是。必须隔得够远，而且不要总盯住一处，要让自己的眼睛放松地去看去欣赏。
塞尚《玩纸牌的人》
印象派发展到“点彩派”，由于过于追求科学，显得机械，人们又不满意了，于是就出现了“后印象派”。后印象派在尊重印象派光色成就的同时，放弃了对自然“客观描绘”的理念，转而强调画家的“主观感受”。代表画家包括塞尚、梵高、高更等人。
其实严格来讲，后印象主义不是一个画派，他们之间不是团体，也没有联合开过画展，更没有什么宣言，只是三人都脱胎于印象主义，又有着共同创作倾向而已。
高更《两个大溪地妇女》
从中可以看出，后印象派已经不再追求光线和透视，只突出色彩。换言之，他们已不再那么“写实”和“科学”了，可以说后期印象派是对印象派的“反动”。
至此，印象派绘画，在经历了19世纪几十年的演变后，从“惊世骇俗”到“因循守旧”，艺术似乎又完成了一次轮回。这之后，艺术进入了 20 世纪，形形色色的流派和主义层出不穷，让人更加眼花缭乱。
梵高《草和蝴蝶》
当然，再说下去就是另一个更长的故事了，且按下不表。总之，在艺术欣赏上，我们大可不必为各个主义和流派所束缚，不妨敞开心灵和眼睛，去享受艺术而不是学习艺术。
素材来源：美在高处
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